大家好，今天小編關注到一個比較有意思的話題，就是關于國外古典鋼琴音樂市場的問題，于是小編就整理了3個相關介紹國外古典鋼琴音樂市場的解答，讓我們一起看看吧。
鋼琴是外國的。
1、鋼琴（意大利語：pianoforte）是西洋古典音樂中的一種鍵盤樂器，有“樂器之王”的美稱。由88個琴鍵（52個白鍵，36個黑鍵）和金屬弦音板組成。意大利人巴托羅密歐·克里斯多佛利（Bartolomeo Christofori），1655-1731）在1709年發明了鋼琴。
2、鋼琴音域范圍從A0（27.5Hz）至 C8（4186Hz），幾乎囊括了樂音體系中的全部樂音，是除了管風琴以外音域最廣的樂器。鋼琴普遍用于獨奏、重奏、伴奏等演出。
3、鋼琴首次出現于1709年，在當時是一種既復雜又昂貴的樂器，只有皇室和貴族才有機會接觸到。一開始，Johann Sebastian Bach（約翰·塞巴斯蒂安·巴赫）等一些非常有聲望的音樂家們并不欣賞鋼琴的音色。但僅僅過了半個世紀，鋼琴就變得越來越受歡迎。當Mozart（莫扎特）、Brahms（勃拉姆斯）和Liszt（李斯特）這些極具創造力的音樂家投入鋼琴的懷抱之后，熱情便瞬時被引爆。在當時那個年代，這些新銳鋼琴家就如同“搖滾巨星”一般，他們所帶來的巨大影響力可謂給音樂創作錦上添花，為鋼琴的發展注入了強大的力量。皇室和貴族紛紛把鋼琴這一樂器納入他們的樂隊中，民眾可以圍坐在鋼琴四周，聆聽最新創作的優美旋律。工業時代的興起衍生出一個新的社會階層——中產階級，鋼琴在這一群體中大為流行。其中三角鋼琴是社會地位的象征，通常用在與正式的獨奏演出或與樂團的協奏里，而立式鋼琴則更受家庭的歡迎。
敢于同大主教決裂的莫扎特,帶著上天所賜予的對音樂的天賦，從年幼的他到青年的他，不僅在歌劇方面卓有貢獻，并且在器樂創作上也卓有成績。至于貝多芬，他純粹是一位器樂作曲家，他以革命中的英雄作為作品的主人公，在他的作品中融入了大量的自我的情緒，可以說他是一個懂得的將自己情感貼用音樂的形式表達出來的，讓眾人了解到一個大家的內心世界的人的，同時它也將自己的音樂化作了一只淬火的劍，因此他也被稱為革命的古典作曲家。
古典主義的規范化確立了奏鳴曲、弦樂四重奏、協奏曲和交響曲等多樂章體裁和快板樂章奏鳴曲形式。古典風格作品中節奏與配器色彩靈活善變，而不是整樂章劃一不變；古典作品中所有聲部、甚至于演奏的力度，都由作曲家親自寫出和標明，而不是留給演奏者演奏時即興處理。至于感情的表達，古典作品由于理性精神的影響，往往比較克制、沉著，而不是狂熱的傾訴——從這方面著眼，巴羅克風格全然不同于古典主義，它反而更接近于后來的浪漫主義的精神。
西方古典音樂是西方文明中極為重要的一部分。西方古典音樂作品浩如煙海，而在我們的傳統印象中，由于歷史文化的原因，西方古典音樂難于欣賞，成為一種陽春白雪的高雅文化。其實，古典音樂中有許多膾炙人口的音樂作品、片段，在我們生活中為人們所喜聞樂見。
霍夫曼曾說，“音樂是所有藝術中最富浪漫主義——幾乎可以說是唯一的真正浪漫主義的藝術，因為它的唯一主題就是無限物。音樂向人類揭示了未知的王國，在這個世界中，人類拋棄所有明確的感情，沉浸在無法表達的渴望中。”
在歐洲藝術史上有兩個重要的時期，古典主義時期和浪漫主義時期。前一個時期包括十八世紀最后的二十多年和十九世紀的前幾十年；另一個時期在法國大革命引起的社會和政治變動的影響下，于十九世紀的第二個二十五年中形成。當時的浪漫主義真可為無孔不入，在文學界，建筑界，藝術界等各個領域中都涌現了一大批杰出的浪漫主義者。
文庫十九世紀的鋼琴小品大師有奧地利的舒柏特、波蘭的肖邦、匈牙利的李斯特、德國的舒曼、門德爾松、勃拉姆斯，以及他們的同代人——在發掘鋼琴技術上的可能性與戲劇性方面顯示了無窮無盡的獨創性。總而言之，短小的抒情形式的出現，作曲家就會認為樂曲的大小不是藝術批評的標準，一首優美的，精心的創作的小型樂曲也能和一部交響樂相媲美。一首完美的詩本身就是很完美的，不用需要有最高度的想象力。浪漫主義藝術歌曲的創造者將歌詞與音樂結合得非常成功，正是由于這些音樂作品，有許多抒情詩才能得以幸存下來。
古典音樂有狹義和廣義之分，不過狹義的范圍太小了，所以就從廣義的古典音樂歷史來看吧。西方古典音樂歷史我只研究了150年左右，從1650年到1900年。在這150年間，基本可以分為3個階段。
第一階段：巴洛克時期的宗教音樂
這個時期，歐洲經歷了文藝復興之后，各類藝術開始興起，音樂作品開始得到豐富，但由于受到音樂設備、器具的限制，多數人是很難聽到音樂的。所以，此時的音樂多屬于宗教系列，一般都是西方人在做禮拜、參加宗教活動的時候，才能有空聽一聽音樂。而此時的音樂，自然而然，一般是贊頌、謳歌宗教或基督的，此時最著名的音樂就是三大神劇，《彌賽亞》、《創世紀》、《伊利亞》，這三部作品我都聽過，用一句流行語：真的是神一般的存在。聽的時候真的能感受到耶穌基督的光輝。
第二階段，維也納古典音樂時期
此時，我們最熟悉的三位音樂家出現了，海頓、莫扎特、貝多芬，他們是開創了古典音樂并將其推動到了最頂峰，他們三個人的作品基本上涵蓋了維也納古典音樂里最優美、經典的作品，我們現在能聽到的“狹義的古典音樂”，基本都是他們三個的。
第三階段，浪漫主義音樂時期
此時，出現了很多優秀的音樂家，不是一個兩個，而是一大批，比如韋伯、比才、舒曼、柏遼茲等等，一方面是社會更加開放、經濟發展后人們物質生活變的豐富，精神追求也更加多元，所以音樂流派、作品等也層出不窮。另一方面，前兩個時期流傳下的音樂雖然經典，但后期的音樂家肯定會不然的進行創新。雖然后期很少出現像莫扎特那般天才絕頂的音樂家，但也出現了一批極具音樂天賦的人，也正是他們，推動了西方古典音樂向浪漫主義階段演變。
基本上，第三階段結束，也就到了1900年，二十世紀前后了。此時，隨著第二次工業革命（電汽革命）的發生，電子設備開始進入音樂領域，西方古典音樂也發展到了電子音樂的新時期，這也可以歸為是古典音樂的新發展，也可以歸為是近代或現代音樂。但無論如何，西方古典音樂，余音繞梁，經典不朽。我是千城，夢想讀完1000本書，走過1000座城
歐洲歷史上，意大利文藝復興約在公元十一世紀左右，既然是復興，那么一定曾經擁有過過去的“藝術”時代，那個曾經藝術文明時代就是古羅馬帝國時代。
人類社會在音樂歷史發展中，好像一駕馬車在一條“非常漫長歲月的道路”上緩緩行進著，西方人發出的聲音和他們的“音樂”，按照今天的想象是停留在原始的“嚎叫”或者“呻吟”之中。??而我們中國在公元十一世紀時候，在音韻音律上已經創造了非常動聽的“五聲音階”了。
文藝復興之路上，宗教教徒們在禱告中涌經的聲音是歐洲古典音樂發展的初始，遠古時代的樂器也是在這個時候開始了改良和變化。這樣慢慢的變化又持續了二百多年，到了十三中葉，世界上第一架古鋼琴誕生了！就在這幾百年歷史進展中，西方音樂在器材雛形基礎上有了非常大的改進，到了十五世紀末我們今天看到的西方交響樂隊形式已經基本定位了。
“七音”音階(半音階)音樂理論的發明者和奠基者是德國音樂家巴赫，是他把鋼琴“十二平均音律”發現后于理論上的確立，如此讓后人們在探究音樂中音程之間的互相關系作用上有了理論依據。文藝復興時期，意大利的歌劇發展和歐洲其他國家之間在音樂發展上始終互相影響，成熟時期在十五世紀，德國音樂家亨德爾是意大利歌劇音樂發展的奠基人，歷史上被稱作“巴洛克”時代，一切和“藝術”有關的創造都集中在這個時期，主要的二個部分是“雕塑”藝術與“音樂”藝術為二大藝術代表。
古典音樂的發展是以古鋼琴，管風琴為主要器樂，弦樂是以大小提琴為主要，管樂以吹一類的為主要。古典音樂的發展是從教堂開始走進宮廷，又從宮廷中走向舞臺的這么一段歷史。
18世紀中葉，西方音樂開始由巴洛克時期轉向古典時期。在這兩個時期的交替轉化中，鋼琴藝術史上經歷了一個審美趣味轉變、鍵盤樂器更迭、作品曲式創新和演奏實踐改變的過渡階段，直至18世紀70年代才最后確立了古典主義。過渡時期鋼琴音樂風格的演變體現了那個時代人們藝術趣味和審美理想的轉變。
18世紀后半葉的歐洲，思想上和政治上發生了巨大的變化。在法國啟蒙運動的影響下，藝術作品的題材沖破宗教、歷史、宮廷的局限，去表現日常生活事件和普通人的感情，并且藝術表現手法更通俗易懂。
在音樂風格上，人們普遍反對過于嚴肅復雜和宏大深奧的巴洛克復調音樂，刻意追求輕松、愉悅、精致、敏感的主調音樂。因此，鋼琴音樂風格上的演奏首先表現在從多聲部的復調對位形式轉入以旋律為主的主調和聲形式。
這一時期的鋼琴音樂已經從以往不分主次的幾條旋律線糾結在一起的復調織體，改變為以一條旋律線為主，其他聲部作為陪襯的主調織體。
作曲家們認識到，鋼琴不僅要塑造自然界中的音響形象，也要模仿歌劇中任務的歌唱和說話，特別是模仿表現普通人情感的歌唱和說話。所以，在這一時期鋼琴的旋律和音調更具有歌唱性和宣敘性的特點。
在演奏實踐方面，巴洛克時代傳統的即興演奏相對減少，逐步讓位給照譜演奏的方式。作曲家不僅較完整的記錄下所有的音符，而且對于速度、力度、連斷奏法以及裝飾音也給予了一定的標注，使演奏者在音樂表現上更為細致明確。
這一時期的另一個重要進展是演奏理論體系的建立：“情緒學”理論認為演奏音樂的目的在于模仿人的各種情緒，從而喚起聽眾相應的情緒(即情感共鳴)，而不是單純的炫技或娛樂;“音樂修辭學”理論認為某種類型的情緒必定要通過某種特定的旋律、和聲、節奏等典型樂匯去表現，大調和小調分別代表不同的情緒，各個調性都有齊規定的表情意義，不同大小的音程亦代表不同的情緒，協和音程代表安寧、不協和音程代表不安等。
這些美學原則統治了這一時期幾乎所有的鋼琴作曲家，甚至對后來維也納古典樂派的海頓、莫扎特的創作及演奏風格都帶來相當大的影響。所幸他們的天才并沒有受到這種框框的束縛，固有的音樂創作個性依然得到自由展現。
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音樂界“古典主義”一詞有兩種含義。一種是普遍認為流行音樂以外的音樂，包括所有種類的嚴肅音樂。而真正的“古典主義”的是指大約1750年——1827年貝多芬逝世為止這一時期的音樂。
18世紀的歐洲爆發了啟蒙思想運動, 受此影響，人們追求“平等、自由、博愛”，崇尚自然、淳樸，反對封建傳統思想和宗教的束縛, 提倡思想自由和個性發展，涌現出了許多音樂大師以及有代表性的作品，如莫扎特的《魔笛》、貝多芬的第九交響曲等。
古典主義時期的音樂，在音樂歷史上占有非常重要的位置，它是主調音樂的最基本的形式和傳統和聲學的最初模式（和聲走向以“主——下屬——屬——主”的方向進行伴奏, 非常規整, 很少使用和弦外音。和聲的進行和走向也非常清晰），其音樂作品結構方正，（基本是“4 + 4”的樂句結構。即四小節為一句, 第二樂句是同樣四小節的平行樂句, 八小節為一個樂段），傳承了巴洛克時期的主調音樂，又結束了不規則、多旋律、復調的音樂形式。同時，預示了對主觀感情的崇尚，對自然的熱愛和對未來充滿幻想的浪漫主義音樂形式。
鋼琴在古典主義時期的特點
一、音樂作品對速度的嚴格要求
古典鋼琴音樂為了體現自然平衡的原則及均衡方整的結構, 對樂曲的速度要求非常嚴格，除華彩樂段速度可以自由發揮外，其它樂段速度都明確標注，對更改、轉換速度都會在作品中清楚的注明。如貝多芬第十七奏鳴曲中速度轉換
二、音樂作品力度上的強弱對比
古典鋼琴音樂都注重“對比原則”，尤其在音量上的對比非常明顯，每首作品都嚴格的規定了力度要求，從最弱ppp到最強fff，以及突強sf、漸強、漸弱等，在樂曲中運用很普遍，使得樂曲變得異常地生動，豐滿。如貝多芬第十一奏鳴曲
三、以身體配合手臂的彈奏方法
古典時期的鋼琴彈奏，改變了巴洛克時期僅用手指的彈奏方法，基本形成了以身體協調手臂而進行的彈奏方法。
而此前巴洛克時期巴赫的觸鍵——弗爾凱爾曾記載: “巴赫的運指方法幾乎是漫不經心地輕微動作, 無論怎樣難彈的經過句都是用那種自然的手型, 手不離開鍵盤, 只用第一關節來彈動, 即使彈奏顫音, 也只是一個手指的顫動, 而且他的手指不過是隨著微微抖動而已。身體的其他部分是完全不動的。”也是由于鋼琴制造業的發展, 槌子琴的出現，要想聲音宏大, 僅靠手指是彈不出來聲音的, 必須用全身的配合動作才行。 如海頓的奏鳴曲, 貝多芬第七奏鳴曲等。這種彈奏方法正是浪漫主義的最初階段，到了浪漫主義時期，這種彈奏方法才得以更加完善。
古典主義鋼琴音樂在彈奏時非常嚴謹，不可任意發揮，即便是裝飾音，也不能隨意加或者減，并且在速度、強弱等方面都不便隨意彈奏，這就是古典主義音樂意義所在。
古典主義時期鋼琴音樂是“理智和情感的高度統一; 深刻的思想內容與完美的藝術形式的高度統一。”在創作技法上, 繼承和發展了傳統的復調音樂的成就, 并確立了奏鳴曲曲式的結構形式（
在樂隊領域，該時期還完善了室內樂、協奏曲、交響曲等的結構形式）。使鋼琴的彈奏方法進一步發揚光大，創作了鋼琴音樂藝術史上最光輝的一頁。
時代造就音樂家。不同的時代會產生不同的音樂作品內容，也將造就不同的作曲家。這就要求我們在彈奏不同的鋼琴作品時，首先對其作品的背景和時期有所了解，才能更準確地彈奏出符合那個時代的作品內容。
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到此，以上就是小編對于國外古典鋼琴音樂市場的問題就介紹到這了，希望介紹關于國外古典鋼琴音樂市場的3點解答對大家有用。
